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马金凤、李书剑、李金枝、王红利、贾文龙、王辉、牛淑贤、金不欢、王希龄、常香玉等豫剧名家的经典唱段。

不会唱歌? 明白了这十二个歌唱技巧,你就开窍了!

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1.“粗糙”

指对气息的运用、收气、呼气缺乏控制技巧,导致声音肤浅、不真实。 “气弱”是指呼吸不足,发出的声音细弱。 “气浊”是指呼吸浑浊不匀,发出的声音停滞浑浊。 “气消散”是指气息完全耗尽,所产生的声音自然也就枯竭了。慢板难紧,快板难稳定,松板难准。

注意:学习如何唱好慢板、快板和桑托。 慢板容易拖沓,要注意唱得紧凑一些; 快板容易抢板,要注意唱得稳一些; 宽松的节奏容易出现松懈,所以要注意唱得圆润准确。

2. 朗诵要像唱歌,唱歌要像朗诵

这是高胜林先生说的。 与歌唱不同,京剧的朗诵有着丰富的旋律,但京剧舞台上的朗诵与日常言语不同。 它有一种特殊的语气。 演员在台上朗诵,必须背诵其音乐旋律,正所谓“朗诵如唱”。 ”。语言是歌唱的基础。演员在舞台上歌唱时,不仅要注意歌唱旋律的美感,还要注意语言的连贯性和声调的表现力。这就是所以所谓“唱要如朗”,这两句话实际上强调了京剧叙事的音乐性和京剧唱腔的语言性。

3、吐字清晰,字重,发音动人,发音醉人。

中国戏曲的唱腔讲究“清词真情”。 所谓“爱”包括四个方面:

1、意味着歌唱艺术不是为了韵而韵,而是通过声音表达情感。

2、演员在表演口音之前,首先要以形体(动作)和外貌(表情)作为陪衬。

3、重音发出后,“形”、“貌”就撤了。 细微的表情波动中,似乎还有口音音波的痕迹。

4. 当歌唱过渡较长时,用情感来填补间隙。

为了做到“真实”,在演唱技巧方面有很多具体的要求:学习演唱时,必须从情节和人物的需要出发,仔细审视每一个场景、每一个句子、每一个单词等,然后区分出其中的内容。宾至如归,找到支柱,突出重点,使歌曲唱得有情有韵。 口音应该“准确”、“稳定”。 因为“曲调得对了,就不会沉闷;声调得对了,就不会大声;词得对了,就没有假音;重音得对了,就不会喧哗”。寒冷的。” 总之,就是艺术家所指出的“开重音时要细心,执行重音时要精准”,“飘、准、稳”的演唱技术要求。能“审”、“领”、“准”、“稳”,你的歌声就能优美动人。

综上所述,说明人物的情感是创造口音的基础。 这就是“口音以情感为基础”的原则。

4.《字清》

所谓“词清晰”,是指演员在演唱时,必须在技术上明确词在口中的位置和重点,正确把握不同口型和发音位置的变化,然后将词清晰地传递给对象。观众的耳朵。 。 为了达到“字清”的目的,在技能的使用上还是有不同的要求的。 例如,“曲随词、词随曲、词随曲、曲支词、词正圆”的艺术秘诀,重点在于人与人之间的主从、依附关系。练习曲子过程中的曲子和词。 原则是以词抒腔,重词轻曲,唱词不唱腔。

民间艺术界著名艺术家白凤鸣曾说过:“吐字清晰,文字厚重,韵律动人,声音令人陶醉。” 一切都是基于说话的声调由词而生、词对应声调的原则。 如果词轻而重,词周围有音,则听起来无词,声调无法传达意思; 如果词轻,语气强,则节奏无法控制,听起来几乎像咆哮,语气直而无情。 因此,字要重,重音要轻,字要重,重音要软。 只有轻重交替、刚柔相济,节奏才能一致。 正如梅花体质,有老有嫩,有刚柔相济,唯有过错方能成美。

综上所述,强调了按词演唱的原则。 唱歌时,词要唱得真实、正确、准确。 这就是“声音源于言语”的原理。

5、戏曲演唱必须遵循“情”、“词”、“声”相结合的原则。 唱腔不能被人物发音所束缚; 人物的发音不能被唱腔破坏。 人物是基础,声调是表现形式,声调的圆润是情感的标准。 歌唱旋律的控制与词的发音必须和谐互补,才能达到词正、音圆的效果。

在艺术实践中,由于音韵、抒情、突出重点等各种原因,或除京韵、京韵外还以湖广韵为主。 有时角色和曲调之间会出现矛盾。 有时字读得对,但曲调不一定圆。 有时曲调圆润但发音不一定正确。 它只能是一个标准和要求。

6.据说,张开嘴时,必须张开牙齿并一起敲击,并且必须将单词的发音集中在上颚和嘴唇中。 闭时,须与“开”、“气”、“措”、“合”相配合。 这就是所谓的四呼。 这是阅读和口语的艺术。 这就是所谓的“四召”。

“张口呼气”:声音的力量在喉咙里,从上颚发出来。 嘴巴张开,声音很大。 如:旦、班、常、毛、破、蜀……”齐齿喊:嘴角向两侧翻,牙齿微露,声音轻而尖锐。 :烟、天空、大象、谢谢、家。”群口喊着:嘴唇微闭,声音圆润而清晰。 如:湾、香、黄、郭、瓜、伟、伟。 “浦口惠”:嘴巴紧闭,外唇收窄,稍向前倾。 如:元、春、远、云、貔貅、鱼、靴。

“四胡”是汉语音韵学中的一个术语。 用这四个名词来表达单词的发音。 只有了解了“四呼”,掌握了口型,才能准确地发音。 “四胡”与“折口”(《十三折》韵)在戏曲唱诵中相互配合使用。 掌握了这两个工具后,唱歌时无论音调如何变化,或者时间如何延长,都不会出现“押韵不准”的问题。

过去,大多数艺术家不懂“四呼”,因此词语的发音常常“不齐”、“不明确”。 比如京剧《坐宫》中的杨彦惠就唱到:“我想,当年的海滩上将会有一场血战”。 句中“血”字本为齐齐胡,但有人误读为崔胡“靴”字(上声)的读音(雪)。 。 又如《状元谱》陈伯宇唱道:“可惜我半世纪无出息!” 句中的“班”字原为“buan”,是用嘴发音的。 有人误读为“蒋”(班),这是用嘴发音的。 发音。 因此,无论是读书、识字、说话、唱歌,都必须懂得“四唤”,尤其是唱、唱在戏曲中发挥更大的作用。

7、歌唱禁忌必须分阴阳、寒热、能泄能纳

“土”是方言的意思。 中国幅员辽阔,戏曲种类繁多。 一般来说,地方戏曲以各自的方言为语言主体。 每种类型的戏剧的发音都是基于该语言最标准、最流行的地区的某个地区。 比如,京剧最初就是以“湖广声”为基础的。 (“湖广”是明清时放置的“湖广省”,指湖南、湖北。(见《巨学》已收录“湖广”文章>)其实只是武汉口音;秦戏曲以西安口音为主;川剧以西安口音成都发音为主……等等,避免方言、方言并不要求地方戏曲语言统一​​​变成标准发音,那样的话就失去了地方特色,而且在艺术表现力上也很难做到。

忌讳的是,音标不能以剧所在地区的那些非标准方言为基础。 就像普通话是基于北京发音,而不是北京话一样。 因此,《古绰录》中说:“初学者必须先纠正自己所发出的当地发音,然后才能背诵乐曲。” 广告:人物有阴阳之分,曲调也有阴阳之分。 “没有阴阳,曲调就没有起伏,没有层次,没有变化,就会成为平调、死调。” 分清阴阳,可以避免平。 歌唱曲调能抑制阳气,音色平顺,缓慢而有节奏,无火瘟疫。 展示你的技能。

8、所谓冷热,是指曲调所传达的情感。

戏曲中的唱腔一般放在人物思想感情集中的地方。 能否通过歌唱表达人物的思想感情,直接关系到艺术形象的塑造。 有时,同一个剧本取决于谁唱。 有功力、有研究的人,能唱得优美动人。 虽然音乐相同,但受过良好教育的演员能将角色的喜、怒、哀、乐的情感融入到演唱的旋律中,使其悠扬、委婉、冷热分明。 到了“冷”(低回悲伤)时,歌声悲凉凄凉,冷中带热。 产生了“唱到入神,骨发苍凉六月”的艺术感染力。

9、“热”(慷慨激昂)时,能创造出“一声声直入青云,几多悲欢此刻生起”的艺术魅力。 所谓“收”、“放”,就是指歌唱时对气的运用和控制。 开腔时,运气足,用力开腔广而远; 闭腔时,提高腔气,保持通过腔呼吸。 曲子的结束必须是圆的,曲子结束时仍应恢复原曲。

10、高音气要充足,低音气要克制,高音气要克制。 这是指演员在歌唱时对气息的控制。 所谓“高调轻传”,就是唱高调时,气要从丹田上提,字音由低到高调整,以调整字音。 根据曲调,音色可以清晰明亮。 不要沉默,几乎是喊叫。 应该让人听得轻松、流畅,不应该让人感到吃力,所以要求“轻松”。 《乐府传声》云:“……大声唱这个字,不必使劲喊,只要把字弄窄、细、尖、深,声音就会更高!” 除了窄、薄、尖、深之外,还要掌握一个“奋”字(向上飞升的意思)。 艺术家说:“高音就是分,没有分就不高。”

11、所谓“低音重邪”,就是说唱歌的低音要“重、慢、沉、顿”。 声音的自然规律是,音高则尖锐,音低则深沉。 对于任何物体产生的声音都是如此。 这种模式是不可能改变的。 但通过适当的控制、科学的运用气息,完全可以控制声音的强弱,使高低层次自然和谐地衔接。

12、要想达到“高音不薄音,低音不弱音”的目的,就必须按照艺人的指示:唱高音时要精神饱满,唱低音时一定要克制。 音调越高,越需要充分释放呼吸,使声音高而不尖锐、狭窄; 声音越低,越需要尽力收敛气息,加以控制,使音调不至于微弱无声,使声音低而不沉闷。 。 高放低收,然后凑合二加一,高尖低浊的缺点就不会很明显了。

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作者 admin